Алина 2018-06-26 14:05:00 биографии художников
Родился в Нью-Джерси, но вырос в Нью-Йорке в Гарлеме, Джейкоб Лоуренс был самый широко известный афро-американский художник 20-го века. Известный созданием повествовательных коллекций, таких как Миграция и серии о войне, он пронес афро-американский опыт через всю жизнь, в его работах черные и коричневые цвета соседствуют с яркими цветами. Он также 15 лет был преподавалем и профессором в Вашингтонском университете.
Родился в Атлантик-Сити, Нью-Джерси, 7 сентября 1917, Джейкоб Лоуренс переехал с родителями в Истон, штат Пенсильвания, в возрасте 2 лет. Родители развелись в 1924 году, мать оставила его и двух младших братьев и сестер на воспитание в приемной семье в Филадельфии и отправилась на работу в Нью-Йорк. Когда Лоуренсу исполнилось 13 лет, он присоединился к своей матери в Гарлеме.
Лоуренс познакомился с живописью вскоре после прибытия, когда мать зачислила его в Детский центр Утопии для обучения по программе послешкольного искусства. Он бросил школу в 16 лет, но поступил в мастерскую Гарлема с Чарльзом Алстоном и часто посещал Музей искусств Метрополитен.
В 1937 году Лоуренс получил стипендию в американской художественной школе в Нью-Йорке. Когда закончил ее в 1939 году, получил финансирование от Федерального проекта искусства. Выработав свой собственный стиль модернизма, начал создавать сюжетные серии, рисуя 30 или более картин на одну тему. Он завершил самую его известную серию, Миграция негров или просто серия Миграции в 1941 году. Эта серия была выставлена в галерее в центре Эдит Халперта в 1942 году, делая Лоуренса первым афро-американцем, выставившимся в галерее.
В начале второй мировой войны, Лоуренс был призван в береговую охрану Соединенных Штатов. После короткого пребывания во Флориде и Массачусетсе он был назначен художником береговой охраны на борту военного корабля, документируя опыт войны во всем мире. За это время он создал 48 картин, все из которых были потеряны.
После того как он отдал служебный долг, Лоуренс получил стипендию Гуггенхайма и нарисовал свою военную серию. Он также был приглашен Йозефом Альберсом для обучения во время летней сессии в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине. По сообщениям, Альберс нанял частный вагон для перевозки Лоуренса и его жены в колледж, чтобы они не были вынуждены переезжать на машине для «цветных», когда поезд пересек линию Мейсон-Диксон.
Вернувшись в Нью-Йорк после пребывания на юге, Лоуренс продолжал писать. Однако он впал в депрессию, и в 1949 году лег в больницу в Квинсе, где пробыл 11 месяцев. Работы написаные в стационаре, значительно отличаются от его других работ, приглушенные цвета и люди, которые выглядят подавленными или в агонии.
Покинув больницу, Лоуренс обратил свое внимание на театр. В 1951 году, он написал произведения, основанные на воспоминаниях спектаклей в театре "Аполло" в Гарлеме. Он также начал преподавать, сначала в Институте Пратта и позже в новой школе социальных исследований и в Лиге студентов-художников.
В 1971 году Лоуренс получил должность ординарного профессора в университете Вашингтона в Сиэтле, где он преподавал до выхода на пенсию в 1986 году. Помимо обучения, он потратил большую часть заработанных на живописи денег, выпустив печатные издания с ограниченным тиражом, чтобы помочь финансировать некоммерческие организации, такие как Фонд правовой защиты NAACP , Фонд защиты детей и Шомбургский центр исследований черной культуры. Он также нарисовал фрески для Центра Гарольда Вашингтона в Чикаго, Университета Вашингтона и Университета Говарда, а также 72-футовую фреску для станции метро «Таймс-сквер» в Нью-Йорке.
Лоуренс даже рисовал за несколько недель до смерти, 9 июня 2000 года.
Лоуренс женился на скульпторе и художнике Гвендолин Найт в 1941 году. Она активно поддерживала его работу, предоставляя как помощь, так и критику, и помогала ему сочинять подписи для многих из его серий.
Алина 2018-06-25 14:05:00 биографии художников
Тим Бертон родился 25 августа 1958 года в городе Бербанк, штат Калифорния. После учебы по специальности анимация в Калифорнийском Институте искусств, работал аниматором у Диснея менее года, потом уволился по собственному желанию. Он стал известен после создания визуально ярких фильмов, которые сочетают темы фантастики и ужасов, таких как "Битлджус", "Эдвард руки-ножницы", "Бэтмен", и "Кошмар перед Рождеством".
Знаменитый Режиссер, продюсер и сценарист Тим Бертон, Тимоти Уолтер Бертон, родился 25 августа 1958 года в городе Бербанк, штат Калифорния. Ребенком, Бертон был увлечен классическими фильмами ужасов Роджера Кормана, во многих из которых был показан типичный экранный злодей Винсент Прайс. Бертон также развивал свою склонность к рисованию и поступил в Калифорнийский Институт искусств, где специализировался в анимации. В 1980 году после окончания института начал работать в качестве ученика аниматора на студии Уолта Диснея. В течение года, Бертон устал от работы у Диснея и решил уволится по собственному желанию. В 1982 году выпустил удостоенный наградами короткометражный фильм "Винсент", в котором он отдает дань уважения кумиру своего детства.
В 1984 году, Бертон создал уникальную версию истории Франкенштейна, которая не попала в прокат, однако живое действие впечатлило Пола Рубенса и он поручил Бертону, снять полнометражный фильм «Большое приключение Пи-Ви» (1985 г.). Успех "Большое приключение Пи-Ви" привел к другим возможностям, в том числе к истории о призраках Битлджус (1988 г.) с Майклом Китоном, Алек Болдуином и Джиной Дэвис. Прототипическим фильм Бертона, Beetlejuice был признан за свое визуальное чутье и переплетенные темы фантазии и ужаса.
После формирования собственной продюсерской компании, Бертон снял кассовый фильм "Бэтмен" (1989 г.). С броским актерским составом, в который вошли Джек Николсон, Майкл Китон и Ким Бесингер, это был первый фильм, который собрал 100 миллионов долларов за первые 10 дней релиза. В следующем году Бертон снял странный, но трогательный фильм "Эдвард руки-ножницы". Благодаря замечательной игре звезд Джонни Деппа и Вайноны Райдер (а также финальной роли Прайса в роли эксцентричного изобретателя) Эдвард руки-ножницы был признан за социальную сатиру и простую историю любви и нетерпимости.
Направляя ансамбль, в который вошли Мишель Пфайффер, Дэнни Девито и Кристофер Уокен, Бертон снова сошелся с Китоном на съемках Бэтмена 1992 года "Бэтмен возвращается". В следующем году, он выпустил анимационный мюзикл "Кошмар перед Рождеством". Фильм, созданный с помощью кропотливого процесса анимации остановки движения, стал коммерческим успехом и Бертон прославился техническим мастерством.
В 1994 году Бертон снял Джонни Деппа в качестве главного персонажа в "Эд Вуд—черно-белый портрет" в роли кинорежиссера средней руки и с всепоглощающей страстью к успеху. Несмотря на критическую оценку (Мартин Ландау стал лучшим актером второго плана и получил Оскара за роль наркомана Бела Лугоши), фильм не понравился широкой аудитории. После выхода третьей части "Бэтмен навсегда" (1995 год) и полнометражного мультфильма "Джеймс и гигантский Персик" (1996 г.), Бертон становится режиссером научно-фантастической пародии "Марс атакует"! Фильм провалился в прокате, несмотря на звездный состав, который включал Джека Николсона, Гленн Клоуз, Аннетт Бенинг и Пирса Броснана.
В 1999 году Бертон снял свободно адаптированную версию фильма, "Сонная лощина", по мотивам завораживающей сказки Вашингтона Ирвинга "Легенда о сонной лощине", в которой Джонни Депп сыграл прекрасного героического Икабода Крейна. В 2001 году Бертон взял на себя амбициозный ремейк 1968 культовой "Планеты обезьян" с Марком Уолбергом и Хеленой Бонэм Картер. В 2003 году вышла фантастическая драма «Большая рыба», в которой участвовали Эван МакГрегор и Альберт Финни. Фильм заработал четыре номинации на "Золотой глобус". В 2005 году выпустил ремейк "Чарли и Шоколадная Фабрика" с Джонни Деппом и анимацию с остановкой движения под названием "Труп невесты", который получил звание "Оскар" за лучший Анимационный полнометражный фильм.
Продолжая свой интерес к омерзительным сюжетам, Бертон снял экранизацию популярного мюзикла Суини Тодда: "Демон-парикмахера Флит-стрит" в 2007 году. Фильм Бертона воссоединил давних друзей Джонни Деппа и Хелена Бонэма Картера. Все трое получили похвалу критиков за свою работу над фильмом, в том числе несколько номинаций на "Золотой глобус". В 2010 году они снова воссоединились в адаптации Тима Бертона "Алиса в стране чудес" Льюиса Кэрролла, в котором Депп сыграл роль безумного Шляпника, а Картер - Красную Королеву.
В 2012 году, Бертон работал с Деппом в экранизации культового телесериала "Темные тени". Писатель Сет Грэм-Смит написал сценарий для него, это юмористический взгляд на жизнь вампиров среди их потомков. Бертон также вернулся к анимационному фильму Франкенвини в том же году. Главного персонажа - собаку вернули к жизни после смерти, Бертон был вдохновлен одним из его собственных домашних животных. Пепе "просто подымал настроение, как это делают собаки," сказал Бертон в "Entertainment Weekly". "Персонаж Франкенвини не похож на него. Это больше память и дух его". В 2014 году Бертон снял биографический фильм "Большие глаза", о жизни художницы Маргарет Кин, чьи портреты с огромными глазами становятся знаковыми. Возвратившись к жанру фэнтези, он снял "Дом странных детей мисс Перегрин" для своих детей, основанный на популярном романе Я. Рэнсом Риггса, в 2016 году.
В дополнение к его фильмам, Бертон выставил более 700 рисунков, картин , и других произведений искусства в Музее современного искусства Нью-Йорке в 2009 - 2010 годах, а также в известных музеях по всему миру.
Бертон был женат на звезде Апес Бонэм Картер с 2001 года. У пары есть двое детей, сын, Билли, родившийся в октябре 2003 года и дочь, Нелл, родилась в декабре 2007 года. В 2014 году сообщалось, что супруги расстались после тринадцати лет совместной жизни.
Алина 2018-06-24 14:05:00 биографии художников
Родился в Роттердаме, Нидерланды, в 1904 году, Виллем де Кунинг улетел в США в 1926 году и поселился в Нью-Йорке. Во время работы в коммерческой сфере, в 1930-х годах, де Кунинг также развивает свой художественный стиль, изучая как рисование фигур, так и более абстрактных предметов. К 1940-м годам эти две основные тенденции, казалось, идеально слились, особенно в «Розовых ангелах». Де Кунинг стал известен своим изображением женщин, и женщины доминируют в его картинах на протяжении многих десятилетий. Позже де Кунинг исследовал ландшафты и даже скульптуру, прежде чем болезнь Альцгеймера сделала невозможным продолжение работы. Он умер в 1997 году в возрасте 92 лет.
Родился в Роттердаме, Нидерланды, в 1904 году, Виллем де Кунинг стал на творческий путь в молодом возрасте, бросил школу, когда ему было 12 лет и начал подрабатывать учеником в коммерческом дизайне и декорировании. В течение этого периода де Кунинг по вечерам занимался в Роттердамской академии изящных искусств и техники, а в разгар своего образования в возрасте 16 лет приступил к своей первой работе в отрасли, работая с арт-директором большого универмага.
В 1926 году, де Кунинг пробрался на корабль, направляющийся в Соединенные Штаты, где сменил много работ и мест проживания на северо-востоке страны, пока в конце концов обосновался в Нью-Йорке. Работая, в течение нескольких лет в области коммерческого художественного искусства он не смог посвятить себя собственному творчеству. Де Кунинг нашел в Нью-Йорке группу единомышленников, которая поощряла его рисовать для себя.
Примерно в 1928 году, де Кунинг начал рисовать натюрморты и фигуры, но это было не долго, затем он перешел на более абстрактные работы, на которые явно влияли такие люди, как Пабло Пикассо и Джоан Миро. Будучи молодым художником, у него была возможность в 1935 году, работать художником для федерального арт-проекта для WPA (Администрация прогрессивных работ), благодаря которому он создал ряд фресок и других работ, произведений.
В 1936 году работа де Кунинга была частью экспозиции Музея современного искусства (MOMA) под названием «Новые горизонты в американском искусстве», но в следующем году его работа с WPA была резко прекращена, потому что не было американского гражданства. Вскоре после этого в 1936 году, де Кунинг начал серию мужских фигур, в том числе «Сидящая фигура» («Классический мужчина») и «Два человека стоя». Также в этот период де Кунинг нанял ученицу Элейн Фрид, и она позировала в качестве женского предмета для работы "Сидящая женщина" (1940 г.). Это была первая крупная картина художника на которой нарисована женщина, он главным образом был известен, изображением женщин на своих картинах. Женившись в 1943 году, де Кунинг имел огненную, пропитанную алкоголем совместную жизнь, развелся в конце 1950-х годов прожив в браке почти 20 лет. В середине 1970-х годов они воссоединились и оставались вместе до своей смерти в 1989 году.
Де Кунинг продолжал работать с фигурой, превращяющююся в более абстрактную работу, ярким примером которой является Волна(The Wave). Абстрактные работы начали раскрывать присутствие в них человеческих форм, его два художественных подхода объединены в "Розовых Ангелов" 1945 года, один из его первых значительных вкладов в абстрактный экспрессионизм. Он быстро стал центральной фигурой движения.
В 1948 году проходит его первая персональная выставка в галерее Чарльза Эгана. Также в этот период он преподавал в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине и в Йельской школе искусства.
В 1950-х годах де Кунинг обратил свои абстрактные взгляды на пейзажную живопись, а серия «Абстрактные городские пейзажи» (1955-58 гг.), «Абстрактные пейзажи бульваров» (1957-61 гг.) и "Абстрактные пастушеские пейзажи" (1960-66 гг.) помогут определить эпоху в его художественная жизнь.
В 1961 году, де Кунинг стал американским гражданином и поселился в Ист-Хэмптоне, Нью-Йорк. Он продолжал работать в течение 1980-х, но начало болезни Альцгеймера уничтожило его память и ослабило способность к работе. После смерти жены в 1989 году, дочь де Кунинга ухаживала за ним до его смерти в 1997 году в возрасте 92 лет.
Алина 2018-06-23 14:05:00 биографии художников
Родившийся в 1862 г., австрийский художник Густав Климт стал известен весьма декоративным стилем и эротическим характером своих произведений, которые рассматривались как бунт против традиционного академического искусства своего времени. Его самые знаменитые картины "Поцелуй" и "Портрет Адели блох-Бауэр".
Густав Климт родился на окраине Вены, Австрия, 14 июля 1862 года. Его отец, Эрнст, был начинающим гравером золота, который эмигрировал в Вену из Богемии, его мать, Анна, была музыкально одаренной, хотя она так и не осуществила свою мечту стать профессиональным музыкантом. Возможно, генетически предрасположенный к искусству, Климт показал талант с раннего возраста, и в 14 лет покинул свою нормальную школу для участия в Венской школе искусств и ремесел с полной стипендией, и это была не мелочь, учитывая его молодость и относительную бедность, в которой он был воспитан.
В то время как в учреждении, Климт получил консервативное, классическое обучение, которое с готовностью принял, он сосредоточил свои исследования на архитектурной живописи. Его ранней целью как художника было просто стать учителем рисования. Горизонты Климта стали расширяться, однако, когда его начинающий талант принес немного денег, когда он был еще в школе, а после ее окончания в 1883 году он открыл собственную студию со своим младшим братом Эрнстом и их другом Масчем Францем.
Называя себя компанией художников, троица решила сосредоточить свою работу на фресках и отложить в сторону любые личные художественные наклонности в пользу исторического популярного в то время стиля среди высшей Венской элиты и аристократии.Это решение оказалось хорошим, поскольку оно не только выиграло многочисленные заказы по расписанию церквей, театров и других общественных пространств, но и позволило им работать взаимозаменяемо по своим проектам. Самыми заметными их произведениями в это время были росписи в венском Бург театре и потолок над лестницей в художественно-историческом музее. Группа была удостоена награды за свои достижения в 1888 году, получив Золотой орден За заслуги от Австро-венгерского императора Франца Иосифа I.
В 1890 году братья Климт и Масч присоединились к Ассоциации венских художников, консервативной арт-группе, которая контролировала большинство выставок в городе. Густав Климт продолжал участвовать в более традиционных направлениях мирового искусства, но вскоре в его личной жизни наступили изменения, которые направили его на свой собственный путь.
В 1891 году, брат Густава Эрнст женился на женщине по имени Элен Флеге, и в том же году Густав впервые нарисовал портрет своей сестры, Эмили. Эта первая встреча положила начало дружбы на всю жизнь, которая будет иметь значимое влияние на направление последующих работ Климта. Но в следующем году случилась личная трагедия - отец и брат Эрнст умирают, это оказало наиболее существенное влияние на направление живописи Климта. Пострадавший от этих событий, Климт стал отказываться от натуралистических атрибутов своего обучения в пользу личного стиля, который в значительной степени опирался на символику извлеченную из широкого спектра воздействий. С неприятием Эрнстом Климтом стиля Густава, компанию художников становится трудно поддерживать. Тем не менее, они все еще получали заработки, а в 1894 году были выбраны для того, чтобы нарисовать фрески для потолка Большого зала в Венском университете.
Но продолжая поиски более значимой, личной творческой свободы, в 1897 году Климт с группой единомышленников подал в отставку свое членство в Ассоциации венских художников и основал новую организацию, известную как Венский Раскол. Хотя, группа в первую очередь, отвергает классическое, академическое искусство, но не сосредотачивается на какой-либо один определенный стиль, и концентрирует свои усилия на поддержку молодых нетрадиционных художников, привлечении международного искусства в Вену и экспонировании произведений своих членов. Климт был назначен ее первым президентом, и членом редколлегии для издания "Святой источник". Первая выставка Венского Раскола состоялась в следующем году и была хорошо посещаема и популярна. Среди его работ была картина Климта символа группы, греческая богиня Афина-Паллада. Со временем она стала восприниматься как первая в серии самых известных и самых успешных произведений Климта.
В 1900 году, Философия, одно из трех панно Климта созданное для Венского университета, было выставлено впервые, на седьмой выставке Венского Раскола. Благодаря различным обнаженным человеческим формам и довольно тревожным и темным символическим образам, эта работа вызвала скандал среди университетского факультета. Когда следующие две работы, Медицина и Юриспруденция, были выставлены на следующих выставках, они были встречены не менее возмущенно, что в итоге вылилось в петицию, убеждающую в том, что они не могут быть установлены в школе из-за их неоднозначного и порнографического характера. Когда несколько лет спустя они все же не были выставлены нигде, возмущенный Климт возвратил оплату в обмен на свои картины.
Однако, несмотря на эти разочарования, успех Климта достиг своего пика в это время. Несмотря на его неприятие в Вене, его Медицина была выставлена на Всемирной выставке в Париже и получила Гран-при, а в 1902 году его Бетховенский Фриз экспонировалась с большим успехом у публики. Но, пожалуй, самое значительное, в начале 1900-х годов, то что Климт был посреди того, что обычно называют его “Золотой период”. Начиная с его Афины Паллады в 1898 году, Климт создал серию картин, которые широко использовали декоративное сусальное золото в плоской, двухмерной перспективе, напоминает византийские мозаики для создания ярких знаковых фигур. Среди наиболее представительных из этих работ - "Юдифь" (1901 г.), "Даная" (1907 г.) и "Поцелуй" (1908 г.).
Возможно, самым известным произведением Климта из этого периода является «Портрет Адели Блох-Бауэр I.» 1907 года. Законченная в 1903 году, работа оставалась в семье богатого промышленника Блох-Бауэр, пока не была захвачена нацистами во время Второй Мировой Войны. В конечном итоге она попала в Австрийскую Государственную Галерею, картина оставалась там, пока одна из племянниц Блох-Бауэр, Мария Альтман, подала иск против Австрии за ее возвращение. Альтман выиграла дело в 2006 году, и картина была продана на аукционе в июне этого года за $135 млн, это наибольшее вознаграждение которое когда-либо платили за произведение искусства на аукционе. Легендарное прошлое работы было предметом многочисленных книг и документальных фильмов, а в последнее время находится в центре внимания в фильме "Женщина в золотом", в котором звезда Хелен Миррен сыграла Марию Альтман.
Возможно, ничто не может подвести итоги более поздних лет Климта, чем его собственные слова: «Я никогда не рисовал автопортрет. Я менее заинтересован в себе, как предмете для живописи, чем в других людях, прежде всего женщинах”. Действительно, большинство его более поздних работ особенности зарисовки и живописи женщин, обычно во время раздевания или в состоянии полной наготы. Будучи пожизненным холостяком, Климт заводил бесчисленные романы в течение своей жизни, часто со своими моделями, и от него родилось около 14 детей. Однако самые долгие отношения, были с Эмилией Флеге. Хотя полная природа их дружбы неизвестна, они оставались в обществе друг друга оставшуюся часть своей жизни, а картины пейзажей, составляющие основную часть его более поздних не-портретных работ, были расписаны в течение лета, проведенного с ней и ее семьей в Аттерзее, озере в регионе Зальцкаммергут в Австрии.
В 1905 году Венский Раскол разделился на две группы, одна из которых формируется вокруг Климта. В том же году он получил вознаграждение за потолок столовой Дворца Стокле, брюссельского дома богатого бельгийского промышленника. Работы были завершены в 1910 году, а в следующем году его картина "Жизнь и смерть" получила первый приз на международной выставке в Риме. Климт считал эту награду одной из его величайших достижений.
В январе 1918 года Густав Климт перенес инсульт, который оставил его частично парализованным. Впоследствии он был госпитализирован, и заболел пневмонией, от которой и умер 6 февраля 1918 года. Он похоронен на кладбище Хитцинг в Вене.
Алина 2018-06-22 14:05:00 биографии художников
Родился в Москве в 1866 году, Василий Кандинский взялся за изучение искусства в шутку и в возрасте 30 лет, переехал в Мюнхен, чтобы учиться рисованию и живописи. Обученный музыкант, Кандинский подошел к цвету с чувством музыки. Одержимость Моне побудила его исследовать собственные креативные концепции цвета на холсте, которые иногда были спорными среди его современников и критиков, но Кандинский стал уважаемым лидером движения абстрактного искусства в начале 20-го века.
Василий Кандинский родился в Москве 4 декабря 1866 года (16 декабря по григорианскому календарю), в семье музыкальных родителей Лидии Тихеевой и Василия Сильвестровича Кандинского, чайного торговца. Когда Кандинскому было около 5 лет, его родители развелись, и он переехал в Одессу, чтобы жить с тетей, где он закончил гимназию и научился играть на фортепьяно и виолончели, а также рисовать. Даже в детстве у него был опыт в искусстве, работы его детства раскрывают довольно специфические цветовые сочетания, наполненные его восприятием, что «каждый цвет живет своей таинственной жизнью».
Хотя позже он писал: «Я помню, что рисунок и немного позже живопись вырвали меня из реальности». Следуя пожеланиям семьи, окончил юридический факультет в Московском университете в 1886 году с отличием, получая гос. стипендию, что повлекло за собой визит в Вологодскую губернию чтобы изучить их традиционную уголовную юриспруденцию и религию. Народное искусство и духовные исследования, казалось, мешали латентным желаниям. Все-таки, Кандинский женился на своей кузине, Анне Чимякиной, в 1892 году и окончил Московский-юридический факультет, в 1895 -1896 годах работал художественным директором типографии.
Но два события привели к его резкой смене карьеры в 1896 году: просмотр выставки французских импрессионистов в Москве в прошлом году, особенно в "Стога в Живерни" Клода Моне , что было его первым опытом нерепрезентативного искусства, и затем слушал Лоэнгрина Вагнера в Большом театре. Кандинский решил отказаться от своей карьеры права и переехал в Мюнхен (он выучил немецкий с бабушкой в детстве), чтобы посвятить себя изучению искусства.
В Мюнхене Кандинский был принят в престижную частную школу живописи, в мюнхенской Академии Художеств. Но большая часть его исследования была самонаправленной. Он начал с обычных тем и художественных форм, но все это время создавал теории, полученные от духовных исследований отношения между музыкой и цветом. Эти теории объединяются на протяжении первого десятилетия 20-го века, ведут его к конечному статусу отца абстракционизма.
Цвет стал скорее выражением эмоций, чем точным описанием природы или предмета. Он сформировал дружеские отношения с группами художников того времени, такими как Пол Клее. Он часто выставлялся, преподавал искусство и публиковал свои идеи о теории в искусстве.
За это время познакомился со студенткой-художницей Габриэль Мюнтер, а в 1903 году переехал к ней до развода с женой, который был завершен в 1911 году. Они много путешествовали и осели в Баварии до начала Первой Мировой Войны.
Кандинский сформировал Ассоциацию новых художников в Мюнхене, группа "синий Всадник" была основана с другим художником Францем Марком, и он был членом движения Баухаус вместе с Клее и композитором Арнольдом Шёнбергом.
Первая мировая война вернула Кандинского в Россию, где на его художественный взгляд повлияло конструктивистское движение, основанное на жестких линиях, точках и геометрии. 50-летний Кандинский встретил на десять лет младшую его Нину Андреевскую, дочь генерала русской армии, и женился на ней. У них был сын, но мальчик прожил всего три года и вопрос о детях стал табу. Пара осталась в России после революции, а Кандинский применял свою беспокойную и всеобъемлющую энергию для управления образовательными и государственными художественными программами, помогал в создании Московского института художественной культуры и музея живописной культуры.
Вернувшись в Германию после теоретического столкновения с другими художниками, он преподавал в школе "Баухауз" в Берлине и писал пьесы и стихи. В 1933 году, когда нацисты захватили власть, они закрыли школу Баухауз. Хотя Кандинский добился немецкого гражданства, Вторая мировая война не позволила ему остаться там. В июле 1937 года, он и другие художники были представлены на выставке “Дегенеративное искусство” в Мюнхене. Он был широко принят, но 57 его произведений были конфискованы нацистами.
Кандинский умер от цереброваскулярного заболевания в Нейли-сюр-Сен, Франция, 13 декабря 1944 года.
Он и Нина переехали в пригород Парижа в конце 1930-х годов, когда Марсель Дюшан нашел маленькую квартирку для них. Когда немцы оккупировали Францию в 1940 году, Кандинский бежал в Пиренеи, но вернулся в Нейли, где жил довольно уединенной жизнью, в депрессии, от плохой продажи картины. Несмотря на то, что его творчество многие считают спорным, он заслужил внимание знаменитых сторонников, таких как Соломон Гуггенхайм, и продолжал демонстрировать свое искусство до самой смерти.
Мало работ Кандинского, произведенных в России сохранилось, хотя многие из картин, которые он создал в Германии существуют до сих пор. В Нью-Йорке аукционные дома продолжают продавать и сегодня, за последние годы его работ было продано более чем на 20 миллионов долларов. Кандинский считал, что каждый период времени накладывает собственный неизгладимый отпечаток на художественное выражение, его яркие интерпретации цвета посредством музыки и духовные чувства, безусловно, изменили художественный пейзаж в начале 20 века продвигая вперед, ускоряя современную эпоху.
Алина 2018-06-21 14:05:00 биографии художников
Родился 23 марта 1887 года, в Мадриде, Испания, Хуан Грис начал свою художественную карьеру в качестве иллюстратора. Он подвергся влиянию кубинских картин Пабло Пикассо и Жоржа Брака после переезда в Париж и был назван одним из лидеров движения во время Первой мировой войны. Позднее Грис разработал костюмы и наборы для балетной труппы, прежде чем умереть от почечной недостаточности в возрасте 40 лет в Булонь-Сюр-Сен, Франция.
Хосе Викториано Кармело Карлос Гонсалес-Перес родился 23 марта 1887 года, в Мадриде, Испания. После изучения математики, физики, инженерной и механической подготовки в высшей школе искусств в Мадриде с 1902 по 1904 год, он начал карьеру профессионального иллюстратора под именем Хуан Грис. Окончательно обосновался в Париже в сентябре 1906 года, где встретил другого знаменитого испанского художника Пабло Пикассо.
Грис продолжал представлять иллюстрации к публикациям в течение нескольких лет, но на него сильно повлияли картины Пикассо и Жоржа Брака, создателей кубизма. Посвящая значительную энергию своей собственной живописи после 1910 года, Грис первоначально производил работы в аналитическом кубистском стиле, используя линейные сетки и ясные изображения. Его Посвящение Пикассо было среди картин, выставленных в Salon des Indépendants в 1912 году, и в том же году он подписал контракт, который давал исключительные права на свою работу немецкому арт-дилеру Даниэлю-Генри Канвейлеру.
Центр внимания Гриса вскоре перешел к синтетическому кубизму, стилю, обозначенному более экспансивным использованием цветов и добавлением коллажей и других материалов. Начавшаяся Первая мировая война нарушила его деловые отношения с Канвейлером, но Грис получил финансовую помощь от писательница Гертруды Стайн, и подписал новый контракт с французским торговцем Леонсом Розенбергом в 1916 году.
Грис взял на себя ведущую роль в кубистском движении в это время, создавая картины, такие как «Человек из Турина» (1918 г.), которая была связана с чувством классического порядка. Был награжден своей первой крупной персональной выставкой в галерее Розенберга Galerie l'Effort Moderne в Париже в 1919 году, но в следующем году его творческий процесс был приостановлен неизвестным заболеванием, возможно туберкулезом.
Наряду с живописью, Грис создал костюмы и декорации для "русского балета" Сергея Дягилева и иллюстрированные тексты для Штейна и других друзей в 1920-е годы. Он пользовался повышенным успехом у публики и хорошо зарабатывал в этот период, но не смог погреться в лучах успеха слишком долго из-за ухудшения здоровья. Грис умер от почечной недостаточности 11 мая 1927 года, в Булонь-Сюр-Сен, Франция.
"Кубизм - это не манера, а эстетика и даже душевное состояние, поэтому она неизбежно связана с каждым проявлением современной мысли. Можно изобретать технику или способ самостоятельно, но нельзя придумать, изобрести всю сложность состояния души."
Алина 2018-06-20 14:05:00 биографии художников
Родившийся 24 ноября 1864 года в Альби, Франция, Анри де Тулуз-Лотрек занимался живописью в юности и создавал новинки в литографическом рисовании. Он стал очень знаменит своими плакатами, под влиянием японского стиля и импрессиониста Эдгара Дега, и наполняя свое искусство маргинализированными группами населения, в том числе проститутками, это видно из его серии плакатов Эллис 1896 года. Среди других заметных работ - «Мулен Руж» и «Стрелец». Пьянствуя и страдая от различных болезней, он умер 9 сентября 1901 года, в возрасте 36 лет.
Анри де Тулуз-Лотрек родился в аристократом 24 ноября 1864 года в Альби, Франция. Его родители, Адель и Альфонс, были не первыми кузенами, которые, как говорят, произошли от предыдущих случаев семейного инбридинга, и поэтому Тулуз-Латрек и его двоюродные братья страдали от связанных с этим физических недугов. Оба бедра Тулуз-Лотрека были сломаны в подростковом возрасте, что способствовало его более позднему росту, молодой человек, достигал в высоту чуть выше 4 1/2 футов, имея полноразмерное туловище и укороченные ножки ходил с помощью трости. (Было высказано предположение, что он страдал от pycnodysostosis — также известный как синдром Тулуз-Лотрека, хотя другие сомневаются в этом.) Он также терпел болезненные зубные боли и деформации лица в течение всей жизни.
Тулуз-Лотрек, как и другие члены его семьи, искали утешение в мире искусства, в детстве и юности он занимался эскизом и оттачивал свое ремесло во время длительных периодов выздоровления от многочисленных болезней. Он посещал Лицей Фонтаны в Париже в течение некоторого времени в начале 1870-х годов, а затем учился у Рене Принсто и Джона Льюиса Брауна. Эти художники сосредоточились на портретной живописи и, таким образом, повлияли на некоторые чувства Тулуз-Лотрека, которые отразятся в дальнейшей его карьере. В 1882 Тулуз-Лотрек учился у Леона Бонна прежде чем работать у Фернанде Кормоне.
Некоторые самые известные работы Тулуз-Лотрека включают в себя «Англичанин в Мулен Руж» и картина «Мулен Руж» (в которой художник изображал себя в группе) и "Русе", показывая женщину в кафе. В отличие от многих его современников искусствоведы отмечали, что Тулуз-Лотрек также известен своими гуманистическими реалистичными изображениями женщин, он без фантазии, точно отражал специфику многих людей которых видел.
Многие из его произведений также захватили проституток в моменты, выходящие за рамки эротической объективации. Эта идея была замечена Тулуз-Лотреком в 1896 году, в знаменитом борделе в серии принтов Эллис, а также в картине «Женщина перед зеркалом» 1897 года.
“Лотрек не представляет ее ни как морализирующий символ, ни романтическую героиню, а скорее как женщину из плоти и крови... , столь же способную как к радости так и к печали, как и все ” сказала Кора Майкл, куратор принтов и рисунков в Музее искусств Метрополитен, ссылаясь на эту работу. «Действительно, прямота и честность картины свидетельствуют о любви Лотрека к женщинам, будь то сказочные или падшие, и демонстрирует его щедрость и симпатию к ним».
В 1884 году, Тулуз-Лотрек переехал в Париж, район, который славится своей богемной жизнью с живыми музыкальными выступлениями в барах и борделях. Он создал картину, сопровождающую музыку певца и композитора Бруанта, который владел кабаре, где Тулуз-Лотрек смог продемонстрировать свои картины. С течением времени, Тулуз-Лотрек создал себе звездную репутацию изображением постоянных жителей Монмартра и знаменитостей. Некоторые из его самых выдающихся сюжетов включали звезду Иветт Гильберт, а также танцоров Джейн Аврил и Лои Фуллер, последняя известна своими светящимися юбками и вихревыми танцами.
Тулуз-Лотрек создавал произведения на холсте, но также решил показать свои работы в более популярных среднесрочных рекламных плакатах, став таким образом популярной творческой силой, известной своим неповторимым стилем. На него оказала большое влияние японская гравюра из дерева ukiyo-e, а также его коллега-художник и импрессионист Эдгар Дега, который жил неподалеку.
Хотя Тулуз-Лотрек представлял себя в городе как остроумный, веселый человек , он сильно страдал из-за своих физических недугов, а также из-за семейной травмы, его отец так и не принял решения своего сына стать профессиональным художником. Он также заразился сифилисом, что в дальнейшем сказалось на его здоровье. Большую часть своей взрослой жизни, Тулуз-Лотрек злоупотреблял алкоголем, чтобы справиться со своей болью и в конечном итоге пил до забвения. В 1899 году у него был нервный срыв после того, как его мать, с которой он был близок, решила покинуть Париж, и художника поместили в санаторий на несколько месяцев.
Анри де Тулуз-Лотрек умер 9 сентября 1901 года, в замке Malromé в Сент-Андре-дю-Буа в 36 лет, оставив после себя более 700 картин, 350 гравюр, плакатов и 5000 рисунков. Он рассматривается в качестве первопроходца, Пионер в ряде движений, в том числе в мире поп-арта, и является ранним предшественником более поздних икон, таких как Энди Уорхол. В 1994 году была опубликована биография Тулуз-Лотрека «Жизнь», написанная ученой Джулией Фрей, добавив прозу к множеству художественных публикаций о его работе.
Алина 2018-06-18 14:05:00 биографии художников
Джозеф Мэллорд Уильям Тернер, более известный как J. M. W. Тернер родился 23 апреля 1775 года, в Ковент-Гарден, Лондон, Англия. Болезненным ребенком, Тернер был отправлен жить к дяде в сельскую Англию, и именно в этот период, он начал свою карьеру художника. Как пейзажист, Тернер привнес светимость и романтические образы. Его работы были изначально реалистичными, позже стали более плавными и поэтическими, и в настоящее время рассматриваются как предшественники импрессионизма. Тернер умер 19 декабря 1851, в Чейн-Уэке, Челси, Лондон, Англия.
Джозеф Мэллорд Уильям Тернер родился примерно 23 апреля 1775 года, в Ковент-Гарден, Лондон, Англия. Его отец, парикмахер, содержал семью, мать боролась с психическими заболеваниями, ее состояние ухудшилось после смерти младшей сестры Тернера в 1786 году.
Тернер был отправлен, к дяде в соседний Брентфорд в 1785 году, но вернулся в Ковент-Гарден к концу десятилетия. Хотя он получил мало формального школьного образования, Тернер был явно талантливым художником, и с 13 лет он продавал рисунки, которые были представлены в магазине его отца. Королевская Академия искусств признала Тернера в конце 1789, и в следующем году он получил шанс показать свои работы на выставке в Королевской Академии.
В 1793 году, Королевское Общество искусств наградило 17-летнего Тернера “Большим Серебряным Поддоном” для ландшафтного рисунка. Тернер вскоре получил стабильный доход с благодаря различным художественным начинаниям, в том числе благодаря проектам продажи гравюр, раскраске эскизов и предоставлением частных уроков. Среди художников, которые повлияли на него в течение этого периода были Томас Гейнсборо, Генри Фузели, Филипп Жак де Лозерборг, Майкл Анджело Рукер и Ричард Уилсон.
Тернер начал активно путешествовать по Европе и особенно его вдохновила поездка в Венецию. Его первоначальное обучение в качестве топографического рисовальщика привело к реалистичности изображения пейзажей, но с годами он выработал собственный стиль. Тернер известен как “художник света”, он создавал сцены из светящихся образов, используя яркие цвета. Его произведения -акварели, картины маслом и гравюры - теперь рассматривается как предшественники импрессионизма.
В 1807 году Тернер занял должность профессора перспективы в Королевской Академии, где он преподавал до 1828 года. Он становился все более эксцентричным и скрытным, избегая контакта практически со всеми, кроме своего отца, и был озлоблен, когда королева Виктория не посвятила его в рыцари. Тернер продолжал проводить выставки, но неохотно продавал свои картины, потеря каждой из них вводила его в длительное уныние.
Несмотря на необычное поведение, Тернер продолжал создавать великие произведения искусства. Хотя он является самым известным художником масляными красками, он также считается одним из основателей английской акварельной пейзажной живописи. Его известные работы включают Дидо строит Карфаген (1815 г.), Гранд-канал, Венеция (1835 г.), Похороны мира в море (1842 г.) и Дождь, пар и скорость (1844 г.).
Тернер выставил свои работы в последний раз в 1850 году. Он создал тысячи работ в течение своей карьеры, около 2000 картин стали собственностью частных коллекционеров, в то время как другие 19 000 рисунков и набросков и около 300 законченных и незаконченных картин остались в двух студиях
Хотя Тернер никогда не был женат, он отец двух дочерей, Эвелин и Джорджиана. Их матерью считалается миссис Сара Денби, вдова лондонского композитора. Тем не менее, многие верили, что мать детей была на самом деле племянница миссис Дэнби, Ханна, которая работала у Тернеров экономкой.
Художник скончался 19 декабря 1851 года в Чейн-Уэке, Челси, Лондон, Англия. Его волей были выделены щедрые суммы Ханне Данби на программу поддержки того, что он называл «разлагающимися художниками», хотя родственники успешно оспаривали финансирование этих программ посредством судебных разбирательств. Тернер также завещал большую коллекцию картин для своей страны, и по его просьбе он был похоронен в соборе Святого Павла в Лондоне.
